Das Wiederaufleben der Minimalistischen Kunst im Jahr 2024

avatar
HR Admin folge
veröffentlicht als Administrator
6 Minuten Lesezeit
12.05.2025
240
Wishlist icon

Von radikaler Bewegung zur kulturellen Notwendigkeit

 

In einer Ära, die von digitaler Überlastung, Umweltkrisen und unerbittlichem Konsum geprägt ist, hat sich die minimalistische Kunst sowohl zu einem ästhetischen Zufluchtsort als auch zu einem philosophischen Gegenmittel entwickelt.[1] Was in den 1960er Jahren in New York als radikale Ablehnung des emotionalen Exzesses des abstrakten Expressionismus begann, hat sich zu einer der wichtigsten und kommerziell erfolgreichsten Kunstbewegungen unserer Zeit entwickelt.[2] Der Kunstmarkt des Jahres 2024 erzählt eine fesselnde Geschichte: Minimalistische Werke von Donald Judd erzielen bei Auktionen 20 Millionen Dollar, digitale minimalistische NFTs werden für Hunderttausende in Kryptowährung verkauft[3] und Großkonzerne von Apple bis Google bauen ihre Marken auf minimalistischen Prinzipien auf. Dies ist nicht nur ein Revival, sondern eine kulturelle Auseinandersetzung mit dem eigentlichen Wertbegriff in Kunst und Design.[4]

 

Der Minimalismus wird durch die Idee "weniger ist mehr" veranschaulicht, die zuerst von dem Architekten Ludwig Mies van der Rohe geprägt wurde. Dieser Ansatz beinhaltet, ein Design auf das Wesentliche zu reduzieren und alle Elemente beiseitezuschaffen, die nicht zur reinen Schönheit oder Funktion eines Objekts oder Raums beitragen.[5] Die minimalistische Bewegung entstand in den 1960er Jahren als direkte Herausforderung des dominanten abstrakten expressionistischen Paradigmas. Während Jackson Pollock Emotionen über Leinwände spritzte und Mark Rothko die Betrachter in Farbfelder hüllte, verfolgten Künstler wie Donald Judd, Agnes Martin und Carl Andre etwas radikal anderes: Kunst, die als wörtliche Präsenz und nicht als symbolische Darstellung existierte.[6]

 

Judds präzise gefertigte Metallkästen, Flavins Anordnungen von kommerziellen Leuchtstoffröhren und Andres Gitter aus industriellen Ziegeln sollten keine innere Aufruhr oder metaphysische Sehnsucht ausdrücken.[7] Sie waren Untersuchungen von Form, Raum und Materialität, was Judd als "spezifische Objekte" bezeichnete, die irgendwo zwischen Malerei und Skulptur existierten. Dies war Kunst, die eher physische Interaktion als psychologische Interpretation verlangte, wobei die Erfahrung des Betrachters, sich um einen Judd-Stapel zu bewegen oder über ein Andre-Bodenteil zu gehen, Teil des Werks selbst wurde. Judd versuchte auch zu erklären, dass das, was er als "das neue Werk" bezeichnete, in keiner Weise minimal, reduktiv, "Anti-Kunst", "ABC-Kunst" oder eines der anderen Wörter und Phrasen (z. B. "Primärstrukturen") war, die erfunden wurden, um extreme Einfachheit anzudeuten.[8]

 

 

Der minimalistische Kunstmarkt 2024: Eine umfassende Analyse dessen, was verkauft wird

Im Jahr 2024 hat sich die minimalistische Kunst zu einer der kommerziell erfolgreichsten und kulturell relevantesten Kunstbewegungen entwickelt. Während der Minimalismus seine Kernprinzipien der Reduktion, der geometrischen Präzision und der Materialehrlichkeit beibehält, hat er sich um überraschende neue Praktiker und Formate erweitert. Diese Analyse untersucht das gesamte Spektrum der minimalistischen Kunstverkäufe, von klassischen Werken bis hin zu zeitgenössischen Interpretationen, wobei der Fokus auf den wesentlichen Merkmalen der Bewegung liegt.[9]

 

 

Der Blue-Chip-Minimalisten-Markt

Das Fundament des minimalistischen Marktes von 2024 bilden weiterhin die etablierten Meister. Donald Judds Aluminiumstapel von 1980 erzielte bei Christie's 20,1 Millionen Dollar (Abb. 1), wobei komplette wandmontierte Progressionen 15-18 Millionen Dollar und kleinere Wandkästen 3-5 Millionen Dollar einbrachten. Agnes Martins Raster Untitled 5 von 1977 wurde bei Sotheby's für 12 Millionen Dollar verkauft (Abb. 2), während ihre Graphitarbeiten aus den frühen 1960er Jahren 8-10 Millionen Dollar und spätere pastellfarbene Gemälde sich bei 6-8 Millionen Dollar stabilisieren. Carl Andres 37 Pieces of Work aus Magnesium brachten 7,6 Millionen Dollar ein (Abb. 3), wobei Kupferbodenstücke Bewertungen von 5-7 Millionen Dollar beibehalten. Marktanalysten stellen fest, dass diese Künstler eine jährliche Wertsteigerung von 10-15 % verzeichnen, mit einer besonders starken Nachfrage nach Werken aus den 1960er-70er Jahren.[10]

 

 

 

 

 

 Abb. 1: Donald Judd, Ohne Titel (1980): Das Paradoxon des permanenten Aluminiums

 

 

 Abb. 2: Agnes Martins minimalistisches Meisterwerk: Untitled 5 (1977), Raster aus Bleistift und Acryl

 

 

 

 Abb. 3: Carl Andres metallisches Raster: 37 Pieces of Work (1969), Magnesium Bodeninstallation

 

 

 

 

Unerwartete Praktiker des Minimalismus

Die minimalistische Bewegung hat überraschende Verfechter in Künstlern gefunden, die normalerweise nicht mit dem Genre in Verbindung gebracht werden. Yayoi Kusamas Gemälde No. F von 1959 erzielte bei Sotheby's 8,2 Millionen Dollar, während ihre weiße Infinity Net-Serie bei Privatverkäufen 10,5 Millionen Dollar erreichte, wobei die Nachfrage seit 2020 um 40 % gestiegen ist (Abb. 4). Banksys Love is in the Bin wurde für 23,7 Millionen Dollar verkauft, seine Flower Thrower-Wandbilder werden für 6-8 Millionen Dollar gehandelt (Abb. 5) und Mobile Lovers erzielte privat 4,2 Millionen Dollar. Diese Künstler zeigen, wie der Einfluss des Minimalismus traditionelle Grenzen überschreitet.[11]

 

 

 

 

 Abb. 4: Yayoi Kusamas Infinity Nets (1958–60), Acryl auf Leinwand

 

 

 

Abb. 5: Banksys Flower Thrower (2003/5): Der vergängliche Handel mit Protestkunst

 

 

 

Digitaler und nachhaltiger Minimalismus

Im NFT-Bereich erzielen Rafał Rozendaals einfarbige Animationen 220 ETH (660.000 $), während Dmitri Cherniaks algorithmische Ringers-Serie durchschnittlich 85 ETH erzielt. Der digitale minimalistische Markt weist ein Wachstum von 65 % gegenüber dem Vorjahr auf. Gleichzeitig erzielen Eva Berendes' Wandreliefs aus Stoff und Stahl (45-75.000 $) und Tomás Saracenos biologisch abbaubare Installationen (250-500.000 $) Prämien von 20-30 % gegenüber herkömmlichen Werken, was auf eine starke Sammlernachfrage nach nachhaltiger Kunst hindeutet.[12]

 

Aufstrebende minimalistische Künstler

Alicja Kwades Konzeptarbeiten aus Stahl/Stein (300-600.000 $), Ann Veronica Janssens' Lichtinstallationen (150-400.000 $), Josiah McElhenys Glasskulpturen (80-250.000 $) und Tauba Auerbachs geometrische Gemälde (150-300.000 $) zeigen, wie zeitgenössische Praktiker die Grenzen des Minimalismus erweitern und gleichzeitig seine Kernprinzipien beibehalten.[13]

 

Marktdynamik und Zukunftsaussichten

Aktuelle Trends zeigen einen Anstieg der Primärmarktnachfrage bei führenden Galerien um 40 %, während Auktionshäuser spezielle minimalistische Verkäufe einführen. Online-Plattformen verzeichnen ein Wachstum von 65 % bei Transaktionen unter 50.000 $. Die Motivationen der Sammler konzentrieren sich auf visuelle Langlebigkeit, räumliche Vielseitigkeit und konzeptionelles Engagement. Prognosen deuten auf ein anhaltendes jährliches Preiswachstum von 10-15 % und vermehrte Museumserwerbungen hin.[14]

 

Die bleibende Kraft der Reduktion

Von Judds industrieller Präzision bis zu Banksys Straßen-Einfachheit, von Kusamas frühen Experimenten bis hin zu hochmodernen digitalen Werken entwickelt sich der Minimalismus weiter und behält gleichzeitig seine Kernphilosophie bei. Während das MoMA seine Umfrage für 2025 vorbereitet, bestätigt die Bewegung, dass in unserer komplexen Welt die Kraft der Reduktion wertvoller denn je bleibt.[15]

 

 

 Autor:Malihe Norouzi

 

 

 

 

Quellenangaben

1. Madavi (2024) Minimalistic design: the hottest trend in 2024. Verfügbar unter: https://madavi.co/minimalistic-design-the-hottest-trend-in-2024/ (Zugriff: 25. März 2025).

2. Chave, Anna. C. (2008) 'Revaluing minimalism: patronage, aura, and place', The Art Bulletin, 90(3), pp. 466-486.   (Zugriff: 15. September 2017).

3. BuyWallArt (2024) What art is selling in 2024. (Zugriff: [28. März 2025).

4. Madavi (2024) Minimalistic design: the hottest trend in 2024.  (Zugriff: 25. März 2025).

5. Interior Architects (kein Datum) When less is more or less is a bore. (Zugriff: 25. März 2025).

6. Chave, Anna. C. (2008) 'Revaluing minimalism: patronage, aura, and place', The Art Bulletin, 90(3), pp. 466-486. (Zugriff: 15. September 2017).

7. Ebd.

8.  Wilkin, Karen. (2014) 'Perfect unlikeness: Donald Judd as critic'Artforum, 52(8). (27. März 2025).

9.  BuyWallArt (2024) What art is selling in 2024. (Zugriff: [28. März 2025).

10. Madavi (2024) Minimalistic design: the hottest trend in 2024. (Zugriff: 25. März 2025).

11. BuyWallArt (2024) What art is selling in 2024. (Zugriff: [28. März 2025).

12. Ebd.

13. Ebd.

14. Ebd.

15. Ebd.

Bildnachweise:

 

Abb. 1: Donald Judd, Ohne Titel (1980): Das Paradoxon des permanenten Aluminiums. (Zugriff: 26. März 2025)

Abb. 2: Agnes Martins minimalistisches Meisterwerk: Untitled 5 (1977), Raster aus Bleistift und Acryl.   (Zugriff: 26. März 2025)

Abb. 3: Carl Andres metallisches Raster: 37 Pieces of Work (1969), Magnesium Bodeninstallation. (Zugriff: 26. März 2025)

Abb. 4: Yayoi Kusamas Infinity Nets (1958–60), Acryl auf Leinwand. (Zugriff: 26. März 2025)

Abb. 5: Banksys Flower Thrower (2003/5): Der vergängliche Handel mit Protestkunst. (Zugriff: 26. März 2025)

 

art market
Radical Movement
240
Wishlist icon

0/200

ähnliche Artikel
Die duale Natur der KI in der zeitgenössischen Kunst
Die duale Natur der KI in der zeitgenössischen Kunst

Kreativität und Macht

Künstliche Intelligenz hat die Landschaft der zeitgenössischen künstlerischen Praxis unwiderruflich verändert und nimmt eine paradoxe Position als sowohl revolutionäres Medium als auch politischer Akteur ein. Die grundlegende Spannung zwischen Modernisierung und Replikation in der KI-Kunst ist gut dokumentiert, obwohl die Rolle von Datensatzabhängigkeiten bei der Verstärkung kolonialer Ästhetiken bisher wenig untersucht wurde – ein Versäumnis, das dieser Artikel durch die Analyse von Werken wie Exo-stential korrigiert.[1] Dieser Artikel untersucht die komplexe Dualität der Rolle von KI in der Kunst, indem er analysiert, wie maschinelle Lernalgorithmen wie GANs und Diffusionsmodelle gleichzeitig kreative Möglichkeiten erweitert und gleichzeitig verfestigte Machtstrukturen verstärkt und aufdeckt haben.[2] Die zentrale Spannung, die wir untersuchen, ist, ob eine Technologie, die für ihr kreatives Potenzial gefeiert wird, die systemischen Verzerrungen und politischen Kontroversen, die in ihrer Architektur eingebettet sind, überwinden kann.


Die Evolution der KI-Kunstwerkzeuge

Bei der Untersuchung von KI als künstlerisches Medium begegnen wir bahnbrechenden Technologien, die die künstlerische Produktion grundlegend verändert haben. Generative Adversarial Networks (GANs) arbeiten, indem sie neuronale Netze gegeneinander antreten lassen, um immer überzeugendere Ergebnisse zu erzeugen, während Diffusionsmodelle zufälliges Rauschen durch iterative Entrauschungsprozesse schrittweise zu kohärenten Bildern verfeinern.[3] Diese Entwicklungen stimmen mit der dritten Evolutionsstufe der KI-Kunst überein - der Phase der "kognitiven Intelligenzkunst", die durch fortschrittliche Deep-Learning-Fähigkeiten gekennzeichnet ist.[4] Diese technischen Rahmenbedingungen haben es Künstlern wie Refik Anadol (datengesteuerte Installationen), Mario Klingemann (Neuronale-Netzwerk-Explorationen) und Anna Ridler (poetische algorithmische Werke) ermöglicht, die Grenzen des kreativen Ausdrucks zu erweitern.

Insbesondere Obvious Arts Edmond de Belamy (2018),[5] zeigt, wie GANs westliche kunsthistorische Kanons replizieren und gleichzeitig ihre Abhängigkeit von nicht genannten Trainingsdaten verschleiern.[6] Dieser Widerspruch spiegelt ein gut dokumentiertes Paradoxon im KI-Kunstdiskurs wider: Während das Feld "die Diversifizierung von Themen" durch kollaborative Kreation verspricht, wird häufig versäumt, die historischen Quellen und die Arbeit anzuerkennen, die solche Innovationen ermöglichen.[7]


Anna Ridlers kritische Intervention

Anna Ridlers Arbeit stellt eine besonders bedeutende Intervention in diesem Bereich dar. Ihre Praxis demonstriert drei entscheidende Dimensionen, die sowohl mit konventionellen Verständnissen von AiArt übereinstimmen als auch diese in Frage stellen:


1. GANs als künstlerischer Prozess


Abb. 1: Anna Ridler, Making-of von Der Untergang des Hauses Usher, 2017. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin.



In Werken wie Der Untergang des Hauses Usher (Abb. 1, 2017) verwendet Ridler GANs, um Bilder zu erzeugen, die algorithmische "Artefakte" beibehalten - absichtliche Unvollkommenheiten, die den Lernprozess der Maschine offenbaren.[8] Dieser Ansatz verkörpert die charakteristische "Fließfähigkeit und Veränderlichkeit" der KI-Kunst und unterläuft gleichzeitig die Erwartungen an algorithmische Perfektion.[9]


2. Die Politik der Datensatzkonstruktion


Abb. 2: Anna Ridler, Der Untergang des Hauses Usher, 2017. Videostill. 22. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin.


Im Gegensatz zu vielen KI-Künstlern, die sich auf bereits vorhandene Datensätze verlassen, erstellt Ridler benutzerdefinierte Datensätze durch arbeitsintensive Prozesse wie ihre handgezeichneten Tintenillustrationen für House of Usher (siehe Abb. 2). Diese Methodik verwandelt abstrakte Vorstellungen von kollaborativer Kreation in materielle Praxis, indem sie die verborgene menschliche Arbeit hinter Datensätzen in den Vordergrund rückt,[10] die feierlichen Erzählungen des Feldes über technologische Innovation in Frage stellt und gleichzeitig aufdeckt, wie systemische Verzerrungen in algorithmische Systeme eingebettet werden.[11]


3. Alternative Temporalitäten in der KI-Kunst


Abb. 3: Anna Ridler, Circadian Bloom, 2021, Installation von in Echtzeit erzeugten GAN-Bildern. "You and AI"-Ausstellung © Studio On – Stelios Tzetzias, für Onassis Stegi.


Ihr Projekt Circadian Bloom (Abb. 3, 2021) erforscht nicht-menschliche Temporalitäten, indem es KI-generierte Blumen mit biologischen Uhren synchronisiert,[12] und schlägt Wahrnehmungsrahmen vor, die anthropozentrische Perspektiven in Frage stellen und sich dem Streben des Silicon Valley nach "perfekter" Automatisierung widersetzen. Diese Arbeit etabliert einen dreigliedrigen Dialog zwischen menschlichen, maschinellen und ökologischen Temporalitäten und definiert die Interaktion in der Computerkunst jenseits herkömmlicher Mensch-Maschine-Binärcode neu, um mehr-als-menschliche Zeitskalen einzubeziehen.[13]

Die Belamy-Kontroverse im Kontext


Abb. 4: Porträt von Edmond de Belamy, 2018, erstellt von Gan, verkauft für 432.500 US-Dollar am 25. Oktober 2018 bei Christie's in New York. Bild: © Obvious.


Der Verkauf des Porträts von Edmond de Belamy (Abb. 4) im Jahr 2018 im Auktionshaus Christie's für 432.500 US-Dollar - was seine Schätzung von 10.000 US-Dollar deutlich übertraf - markierte einen Wendepunkt für die KI-Kunst und deckte gleichzeitig ihre inhärenten Widersprüche auf.[14] Dieser Moment stellt wohl den Übergang der KI-Kunst in das Mainstream-Kulturbewusstsein dar, wo die "Medienintelligenz", die solche Werke ermöglicht, gleichzeitig ihre umstrittenen Arbeitsbedingungen und kreative Herkunft verschleiert.[15] Die vollständige Abhängigkeit des Algorithmus von nicht genannten menschlichen Kunstwerken [16] warf jedoch grundlegende Fragen nach dem kreativen Eigentum auf, während seine sklavische Reproduktion europäischer Porträtkonventionen zeigte, wie KI-Systeme dominante ästhetische Hierarchien eher verstärken als in Frage stellen.[17]


Erweiterung des Kanons: Nicht-westliche KI-Kunstpraktiken

Die Einschränkungen der westlich zentrierten KI-Kunst werden deutlich, wenn man sie mit Interventionen wie Harshit Agrawals Exo-stential (2021) und The Anatomy Lesson of Dr. Algorithm (2018) vergleicht. Diese Werke demonstrieren drei transformative Veränderungen, die dominante westliche Paradigmen im KI-Kunstdiskurs problematisieren.


Abb. 5: Harshit Hagrawal, einige Ausgaben von Tandem: Menschliche Zeichnung auf der linken Seite, Maschinenausgabe auf der rechten Seite. Kunst vorstellen, die mit einer intelligenten Maschine zusammenarbeitet. Tandem "ist ein Softwaresystem, bei dem die Zeichnungseingabe einer Person von einem Computerergebnis 'imaginiert' wird, wodurch die beiden in einem kreativen Dialog verwoben werden".


Abb. 6: Harshit Hagrawal, Mask Reality, 2018. Interaktive Echtzeitinstallation. Publikum Gesicht, das in Gesichter verwandelt wurde, die von Tanzritualen Südindiens inspiriert sind. Webcam, Digitalbildschirm.


1. Dekoloniale Datensatzkuration

Wo Belamy passiv 15.000 eurozentrische Porträts replizierte,[18] trainiert Agrawals Masked Reality Algorithmen auf Kathakali- und Theyyam-Tanzritualen - wobei er durch Gesichtserkennungstechnologie bewusst Sanskrit-Traditionen der oberen Kaste mit Volkspraktiken der unteren Kaste nebeneinanderstellt. Diese technische Subversion deckt auf, wie KI kulturelle Spezifität bewaffnen kann, anstatt sie auszulöschen.[19]


2. Cyborg-Autorenschaftsmodelle

Agrawals Tandem-System (Libre AI, 2019) demontiert den Mythos des "autonomen KI-Künstlers"[20] durch:

o Aufrechterhaltung einer sichtbaren menschlichen Handlungsfähigkeit (handgezeichnete Eingaben steuern die Maschinenausgabe).

o Anerkennung traditioneller Miniaturmaler als Mitarbeiter (Anatomie-Lektion)

Dies steht im Einklang mit Crawfords (2021) Arbeitskritik und bietet gleichzeitig eine ethische Alternative. (siehe Abb. 5 und 6)


3. Institutioneller Widerstand

Indem Agrawals Machinic Situatedness-Serie eher in Kolkata's Emami Art und New Delhis Nature Morte als in westlichen Auktionshäusern ausstellt, widersetzt sie sich aktiv dominanten Paradigmen in der rechnergestützten Kreativität, indem sie KI-Systeme in indischen kulturellen Rahmenbedingungen verankert. Durch technische Interventionen wie manipulierte Lernraten erzeugt die Arbeit absichtlich unbekannte Ästhetiken aus regional spezifischen Datensätzen und stellt universalistische Annahmen über maschinelle Kunstfertigkeit in Frage.[21]


Diese Praktiken demonstrieren das Potenzial der KI-Kunst, ihr koloniales Gepäck zu überwinden, wenn Künstler:


• Behandeln Sie das kulturelle Erbe als lebendiges Material und nicht als Archivdaten (vs. Next Rembrandts statische Replikation)

• Rahmenalgorithmen als Spiegel gesellschaftlicher Vorurteile und nicht als neutrale Werkzeuge

• Verteilen Sie die kreative Handlungsfähigkeit über Mensch/Maschine-Netzwerke neu


Jenseits des Binären

Letztendlich offenbart die duale Natur der KI in der zeitgenössischen Kunst eine grundlegende Spannung zwischen emanzipatorischem Potenzial und verfestigter Machtdynamik. Während der Mainstream-Diskurs oft das disruptive Potenzial der KI-Kunst feiert, deckt unsere Analyse auf, wie diese technologischen Innovationen weiterhin tief mit etablierten Machtstrukturen verflochten sind - und diese oft verstärken.[22] Der "degenerative" Ansatz - durch die Hervorhebung algorithmischer Unvollkommenheiten, arbeitsintensiver Datensatzkonstruktion und nicht-menschlicher Temporalitäten - bietet ein entscheidendes Modell für den Umgang mit KI, das sich sowohl dem Techno-Utopismus als auch der unkritischen Akzeptanz widersetzt.


Dieser erweiterte Rahmen legt nahe, dass der wertvollste Beitrag von AiArt möglicherweise nicht in seinen technologischen Errungenschaften allein liegt, sondern in seiner Fähigkeit, die komplexen Beziehungen zwischen menschlicher Kreativität, maschinellem Lernen und kultureller Macht sichtbar zu machen. Während sich das Feld weiterentwickelt, weisen Künstler wie Ridler auf eine ethisch engagiertere Praxis hin, die sowohl die Möglichkeiten als auch die Grenzen von KI als künstlerisches Medium anerkennt.


Essay von malihe Norouzi / Unabhängige Kunstwissenschaftlerin


Referenzen:

1. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 49.

2. Crawford, Kate (2021) Atlas of AI: Power, Politics, and the Planetary Costs of Artificial Intelligence. New Haven: Yale University Press. (Zugriff: 10. Juli 2024).

3. Schneier, Matthew (2024) When AI Art Is Just a Button Push Away, What Defines an Artist? The New York Times. (Zugriff: 10. Juli 2024).

4. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 48.

5. Obvious Art (2018) Edmond de Belamy. (Zugriff: 10. Juli 2024).

6. Mazzone, Marian und Elgammal, Ahmed (2019) Art, Creativity, and the Potential of Artificial Intelligence. Arts, 8(2), S. 73. DOI: 10.3390/arts8020073.

7. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 49.

8. Flash Art, 2020. Artificial abstraction and the poetics of machine learning: The role of AI in the art of Anna Ridler and Roman Lipski. [online] [Zugriff 15. Juli 2024].

9. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 50.

10. Ibid. S. 49.

11. Brynjarsdóttir, Hrönn, Håkansson, Maria, Pierce, James, Baumer, Eric, DiSalvo, Carl und Sengers, Phoebe (2018) 'When it imitates us, how do we decide?': The politics of machine learning and artistic practice. Proceedings of the ACM on Human-Computer Interaction, 2(CSCW), S. 1–20. DOI: 10.1145/3274357.

12. Meer, 2023. Anna Ridler working with GANs. [online] [Zugriff 15. Juli 2024].

13. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 50.

14. Christie’s (2018) A collaboration between two artists: one human, one a machine. (Zugriff: 10. Juli 2024).

15. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 49.

16. Crawford, Kate (2021) Atlas of AI: Power, Politics, and the Planetary Costs of Artificial Intelligence. New Haven: Yale University Press. (Zugriff: 10. Juli 2024).

17. Brynjarsdóttir, Hrönn, Håkansson, Maria, Pierce, James, Baumer, Eric, DiSalvo, Carl und Sengers, Phoebe (2018) 'When it imitates us, how do we decide?': The politics of machine learning and artistic practice. Proceedings of the ACM on Human-Computer Interaction, 2(CSCW), S. 1–20. DOI: 10.1145/3274357.

18. Obvious Art (2018) Edmond de Belamy. (Zugriff: 10. Juli 2024).

19. Kumar, Rahul (2021) Harshit Agrawal's 'Exo-stential' is India's first solo artificial intelligence art show. STIRworld. (Zugriff: 10. Juli 2024).

20. Jochim, Beth (2019) The Creative Dialogue of Human and Machine in the Work of AI Artist Harshit Agrawal. Libre AI. (Zugriff: 10. Juli 2024).

21. Kumar, Rahul (2021) Harshit Agrawal's 'Exo-stential' is India's first solo artificial intelligence art show. STIRworld. (Zugriff: 10. Juli 2024).

22. Chen, Weiwen, Shidujaman, Mohammad und Tang, Xuelin (2020) AiArt: Towards Artificial Intelligence Art. MMEDIA 2020: The Twelfth International Conference on Advances in Multimedia, S. 47-51.


Bildquellen:

Abb. 1: Ridler, A. (2017) Making of The Fall of the House of Usher [Fotografie]. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin. Und Abb. 2: Ridler, A. (2017) Der Untergang des Hauses Usher [Videostill]. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin. Veröffentlicht in: Flash Art (2020) Artificial abstraction and the poetics of machine learning: The role of AI in the art of Anna Ridler and Roman Lipski. (Zugriff: 15. Juli 2024).

Abb. 3: Ridler, A. (2021) Circadian Bloom [Installationsfotografie]. © Studio On – Stelios Tzetzias für Onassis Stegi. Dokumentation veröffentlicht in: Meer (2023) Anna Ridler working with GANs. (Zugriff: 15. Juli 2024).

Abb. 4: Obvious Art Collective (2018) Portrait of Edmond de Belamy [Digitales Bild]. © Obvious. Veröffentlicht in: Kinsella, E. (2018) 'First-Ever' AI Portrait Painting Sells at Christie's for $432,500. Artnet News, 25. Oktober. (Zugriff: 15. Juli 2024).

Abb. 5: Agrawal, H. (2018–2019): Tandem-Systemausgaben [Digitales Bild]

Abb. 6: Masked Reality [Installationsdokumentation] Beide mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Veröffentlicht in: Jochim, B. (2019) The Creative Dialogue of Human and Machine in the Work of AI Artist Harshit Agrawal. Libre AI. (Zugriff: 10. Juli 2024).


Cover-Bildquelle:

Agrawal, H. (2021) Exo-stential [Digitales Bild]. Mit freundlicher Genehmigung von Emami Art, Kolkata. Veröffentlicht in: Jochim, B. (2019) The Creative Dialogue of Human and Machine in the Work of AI Artist Harshit Agrawal. Libre AI. (Zugriff: 10. Juli 2024).

Administrator
20.07.2025
Die Navigation auf dem sich entwickelnden Kunstmarkt
Die Navigation auf dem sich entwickelnden Kunstmarkt

 

Navigation auf dem sich entwickelnden Kunstmarkt: Von traditionellen Bewertungen zu digitalen Umbrüchen

 

Der Kunstmarkt ist seit langem eine einzigartige Schnittstelle von Kreativität, Kultur und Kommerz, die sich von einem System der Schirmherrschaft zu einem globalisierten, spekulativen Ökosystem entwickelt hat. Historisch gesehen waren Künstler auf Mäzene angewiesen, und ihre Werke wurden für kulturelle oder religiöse Zwecke geschaffen, weit entfernt von der spekulativen   Investitionslandschaft, die einen Großteil des Kunstmarktes   heute bestimmt. Im Laufe der Zeit hat sich die Kunst jedoch von einem rein kulturellen Artefakt zu einer Anlageklasse mit erheblichem finanziellem Wert entwickelt. Dieser Übergang von der Schirmherrschaft zum institutionalisierten Handel, der durch technologische Innovationen noch verstärkt wurde, hat einen komplexen und oft undurchsichtigen Markt geschaffen. Der komplizierte Bewertungsprozess des Kunstmarktes beinhaltet subjektive Faktoren wie künstlerischen Wert und Reputation. Er stützt sich auch auf objektive Elemente wie Auktionsergebnisse und Wirtschaftstrends. Heute wird der Markt von einer Kombination aus historischem Erbe, wirtschaftlicher Dynamik und neuen digitalen Technologien angetrieben. Mit der Entwicklung des Marktes haben sich auch die Instrumente und Rahmenbedingungen für die Bewertung und den Kauf von Kunst weiterentwickelt. In diesem Artikel untersuchen wir die Faktoren, die die Kunstbewertung beeinflussen, zeichnen die historische Transformation des Kunstmarktes nach und untersuchen, wie die Technologie die Zukunft der Kunstpreisgestaltung prägt.[1]

                      

 

Abb. 1: Die Auktionshäuser Christie’s und Sotheby’s.

 


Die komplexe Dynamik der Kunstbewertung

Der Preis eines Kunstwerks wird durch eine Kombination aus materiellen und immateriellen Faktoren bestimmt, von denen viele sowohl in den subjektiven Vorlieben der Käufer als auch in der breiteren Wirtschaftslandschaft verwurzelt sind. Die Kunstbewertung ist ein heikler Balanceakt zwischen dem Ruf eines Künstlers, der Seltenheit des Werks, seiner Provenienz und den allgemeinen Marktbedingungen. Diese Faktoren verbinden sich auf eine Weise, die die Preisgestaltung von Kunst sowohl hoch spekulativ als auch unsicher erscheinen lassen kann.2 Wie Chloe Waddington, Partnerin der in London geborenen Galerie Timothy Taylor, erklärt: „Kein einzelner Faktor sollte isoliert oder als wichtiger als ein anderer betrachtet werden. Die Bewertung eines Kunstwerks ist eine Kombination aus vielen Faktoren: institutionelle Anerkennung, Marktnachfrage, Karrierestadium des Künstlers, Zustand, Authentizität, Medium ...“ (Artsy, o. D.) Diese ganzheitliche Herangehensweise an die Bewertung unterstreicht das komplizierte Zusammenspiel von Elementen, die zum Marktwert eines Kunstwerks beitragen.[3]

 

 

Künstlerischer Ruf und Karrierestadium

Einer der einflussreichsten Faktoren bei der Bestimmung des Preises eines Kunstwerks ist der Ruf des Künstlers. Das Karrierestadium eines Künstlers, die institutionelle Anerkennung, Ausstellungen und persönlichen Leistungen erhöhen den Marktwert eines Kunstwerks. Aufstrebende Künstler beginnen möglicherweise mit niedrigeren Preisen, aber wenn sie durch Einzelausstellungen, Biennale-Ausstellungen oder kritische Anerkennung mehr Aufmerksamkeit erhalten, werden ihre Werke wertvoller. Die Werke etablierter Künstler mit bedeutender historischer oder kultureller Bedeutung erzielen oft Höchstpreise, insbesondere wenn sie in renommierten Institutionen ausgestellt oder über renommierte Auktionshäuser verkauft wurden.[4]

 

Auf dem Sekundärmarkt wird die Bewertung des Werks eines Künstlers durch Auktionsergebnisse beeinflusst, die als öffentliche Preisrichtwerte dienen. Auktionshäuser wie Sotheby’s und Christie’s verfolgen diese Preise und geben Käufern und Sammlern ein konkretes Verständnis des finanziellen Werts eines Kunstwerks. Als Sammler und Investoren ist das Verständnis dieser Marktrichtwerte von entscheidender Bedeutung. Auktionsergebnisse, insbesondere für "Blue-Chip"-Künstler, beeinflussen oft die Preisgestaltung von weniger bekannten Werken desselben Genres oder Stils.[5]

 

 

Die Rolle der Provenienz

Die Provenienz oder die Geschichte des Besitzes eines Kunstwerks ist ein weiteres entscheidendes Element bei der Bestimmung seines Wertes. Eine gut dokumentierte Provenienz kann die Echtheit des Werks bestätigen und sicherstellen, dass es sich nicht um eine Fälschung oder gestohlenes Eigentum handelt. Werke mit einer prestigeträchtigen Provenienz, wie z. B. solche, die zuvor berühmten Sammlern gehörten, in renommierten Ausstellungen gezeigt oder in historischen Kontexten gezeigt wurden, erzielen oft deutlich höhere Preise.[6]

 

Das Konzept der Provenienz ist besonders wichtig auf dem Sekundärmarkt, wo weiterverkaufte Werke oft mit einer überprüften Geschichte einhergehen. Beispielsweise erzielt ein Gemälde, das sich im Besitz einer Berühmtheit befand oder Teil einer bemerkenswerten Museumssammlung war, tendenziell einen höheren Preis. Sotheby’s und andere Auktionshäuser betonen häufig die Bedeutung von "frischen" Werken, d. h. Stücken, die noch nie öffentlich zum Verkauf angeboten wurden und daher keine Bietgeschichte aufweisen. Diese Werke können aufgrund ihrer Seltenheit und ihrer Provenienz, die die Begehrlichkeit noch erhöht, Bietergefechte auslösen.[7]

 

 

Angebot, Nachfrage und Marktdynamik

Wie bei jeder anderen Anlageklasse spielt das Gesetz von Angebot und Nachfrage eine zentrale Rolle auf dem Kunstmarkt. Ein begrenztes Angebot, insbesondere bei Künstlern, die nur eine kleine Anzahl von Werken produzieren, kann den Preis eines bestimmten Stücks erheblich in die Höhe treiben. Beispielsweise ist Banksy, ein weltweit anerkannter Streetart-Künstler, dafür bekannt, limitierte Werke zu schaffen, die oft als Streetart entstehen. Laut MyArtBroker haben Banksys Stücke bei Auktionen rekordverdächtige Preise erzielt, was die hohe Nachfrage nach seinen knappen und kulturell bedeutsamen Werken widerspiegelt. So wurde beispielsweise sein Gemälde Devolved Parliament im Jahr 2019 bei Sotheby’s für 9,9 Millionen Pfund verkauft und übertraf damit seine Schätzung vor dem Verkauf bei weitem. In ähnlicher Weise sorgte sein ikonisches Werk Girl with Balloon für Schlagzeilen, als es sich unmittelbar nach dem Verkauf für 1,04 Millionen Pfund teilweise selbst zerstörte, was den einzigartigen Reiz und Wert seiner limitierten Werke unterstrich. Andererseits kann das Überangebot an Werken, insbesondere von weniger etablierten Künstlern oder überproduzierter Kunst in einem gesättigten Markt, die Preise drücken.[8]

 

 

Abb. 2: Banksy, Girl with Balloon, Waterloo Bridge, South Bank, London, 2002.

 

Auch das globale Wirtschaftsklima beeinflusst den Kunstmarkt. Kunst wird seit langem als Wertspeicher angesehen, insbesondere in Zeiten wirtschaftlicher Unsicherheit. In einer Zeit der Finanzkrise oder Inflation kann Kunst wie Gold oder Immobilien als Absicherung gegen wirtschaftliche Instabilität dienen. Die Finanzkrise von 2008 führte beispielsweise zu einem kurzzeitigen Einbruch der Kunstpreise, aber der Markt erholte sich schnell, da die Reichen Kunst als eine stabilere Investition als volatile Finanzmärkte ansahen.[9]

 

 

Historische Transformation des Kunstmarktes

Das Verständnis der Entwicklung des Kunstmarktes ist unerlässlich, um seinen gegenwärtigen Zustand zu erfassen. Historisch gesehen agierten Künstler innerhalb eines Systems der Schirmherrschaft und waren für ihre finanzielle Unterstützung auf wohlhabende Einzelpersonen oder Institutionen angewiesen. Von den großen Aufträgen der Renaissance-Künstler wie Michelangelo bis hin zur Porträtmalerei des 18. Jahrhunderts war die Beziehung zwischen Künstler und Mäzen eine des gegenseitigen Nutzens – die Künstler schufen Werke von kultureller Bedeutung, und die Mäzene sicherten sich Status und Prestige. Das 20. Jahrhundert erlebte jedoch die Verwandlung des Kunstmarktes in ein globalisiertes, spekulatives Ökosystem. Dieser Wandel wurde durch den Aufstieg von Auktionshäusern, Galerien und Kunsthändlern katalysiert, die begannen, den kommerziellen Wert von Kunst zu prägen. Die Gründung großer Auktionshäuser wie Sotheby’s (1744) und Christie’s (1766) ermöglichte den öffentlichen Handel mit Kunst, was dem Markt Transparenz und ein neues Maß an Spekulation verlieh. Mitte des 20. Jahrhunderts wurde der Markt immer stärker institutionalisiert, da Kunst zunehmend als Anlageklasse behandelt wurde, wobei Käufer nicht nur ästhetischen Wert, sondern auch finanzielle Erträge suchten.[10]

 

Einer der bedeutendsten Momente in diesem Wandel war der Aufstieg der Pop Art in den 1960er Jahren. Pop-König Andy Warhol betrieb seine Kunstpraxis wie ein Unternehmen, schuf Werke, die von den populären kommerziellen Produkten seiner Zeit inspiriert waren, und produzierte Siebdrucke wie ein Unternehmen. Warhol nannte sein New Yorker Studio die "Factory" und beschäftigte hier Assistenten, die ihm halfen, immer mehr verkaufbare Kunst zu immer höheren Preisen zu produzieren. Er stellte traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage, indem er Massenproduktion mit bildender Kunst verband. Warhols berühmtes Zitat: „Gut im Geschäft zu sein ist die faszinierendste Art von Kunst. Geld verdienen ist Kunst und    arbeiten ist Kunst und ein gutes Geschäft ist die beste Kunst“ (Warhol, 1975, S. 92) Unterstrich die Kommerzialisierung der Kunst und ihr Potenzial als lukrative Investition. Diese neue Welle der Kunst mit ihrer Verbindung zu Branding und Populärkultur signalisierte den Beginn der Kunst als Ware.[11]

Die 1970er und 1980er Jahre beschleunigten diesen Wandel weiter, wobei Kunst als Anlageinstrument an Bedeutung gewann. Die Scull-Auktion im Jahr 1973, bei der die Taximagnaten Robert und Ethel Scull eine Sammlung von Pop-Art-Werken für 2,2 Millionen Dollar verkauften, demonstrierte das enorme Potenzial des Marktes. In den 1980er Jahren entstanden Kunstsammler als Finanzinvestoren, wobei sich Einzelpersonen und Institutionen der Kunst als einer tragfähigen alternativen Anlageklasse zuwandten.[12]

 

       

Abb. 3: Die Sammler Ethel und Robert Scull mit Andy Warhol, George Segal und James Rehnquist, 1973.

 


Die digitale Disruption des Kunstmarktes

Mit der Entwicklung des Kunstmarktes hat sich auch die Rolle der Technologie verändert. Heute verändern digitale Plattformen die Art und Weise, wie Kunst gekauft und verkauft wird, und ermöglichen einen besseren Zugang und mehr Transparenz. Plattformen wie Artsy, Artnet und Paddle8 haben den Kunstmarkt demokratischer gemacht und es Sammlern ermöglicht, Werke aus der ganzen Welt zu durchstöbern, ohne jemals eine Galerie betreten zu müssen. Online-Auktionen erfreuen sich immer größerer Beliebtheit, wobei Häuser wie Christie’s und Sotheby’s eine Vorreiterrolle beim digitalen Verkauf von Werken spielen. Die Blockchain-Technologie hat auch neue Wege eingeführt, um die Provenienz zu sichern und Transparenz herzustellen. Artory beispielsweise verwendet Blockchain, um die Besitzgeschichte von Kunstwerken zu verfolgen und sicherzustellen, dass jede Transaktion überprüfbar und unveränderlich ist. Diese Technologie behebt eines der seit langem bestehenden Probleme auf dem Kunstmarkt: den Mangel an Transparenz. Durch die Verwendung von Blockchain können Käufer sicher sein, dass die Provenienz eines Stücks legitim ist und dass es nicht Gegenstand von Rechtsstreitigkeiten ist.[13]

 

Eine weitere große Disruption des Kunstmarktes war der Aufstieg von Non-Fungible Tokens (NFTs). Im Jahr 2021 wurde Beebles Everydays: The First 5000 Days des digitalen Künstlers für unglaubliche 69 Millionen Dollar bei Christie’s verkauft, was das erste Mal war, dass ein großes Auktionshaus ein rein digitales Werk verkaufte. NFTs, die die Blockchain-Technologie nutzen, um den Besitz digitaler Kunst zu authentifizieren und zu verifizieren, haben eine völlig neue Art und Weise eingeführt, Kunst zu kaufen, zu verkaufen und zu sammeln. Der Aufstieg von NFTs hat jedoch eine Debatte über die Umweltauswirkungen der Blockchain-Technologie ausgelöst, wobei Kritiker darauf hinweisen, dass die Prägung von NFTs erhebliche Mengen an Energie verbraucht. Die wachsende Bedeutung digitaler Kunst und NFTs wirft Fragen nach der Zukunft traditioneller Kunstformen auf. Während NFTs und digitale Plattformen den Zugang zum Markt demokratisieren, schaffen sie auch neue Herausforderungen in Bezug auf Nachhaltigkeit, ethische Überlegungen und Marktvolatilität. Die Zukunft des Kunstmarktes wird wahrscheinlich eine Mischung aus traditionellen Institutionen und innovativen Technologien sein, wobei beide Sektoren nebeneinander existieren, um neue Möglichkeiten für Künstler, Sammler und Investoren zu schaffen.[14]

 

Die Zukunft des Kunstmarktes: Demokratisierung vs. Exklusivität

Eine der dringendsten Debatten auf dem heutigen Kunstmarkt ist die Spannung zwischen Demokratisierung und Exklusivität. Digitale Plattformen haben den Zugang unbestreitbar erweitert und es neuen Sammlern ermöglicht, sich mit Werken aufstrebender Künstler und globaler Märkte auseinanderzusetzen. Social-Media-Plattformen wie Instagram haben die Sichtbarkeit von Künstlern erhöht, die sonst möglicherweise im Verborgenen geblieben wären. Trotz dieser Fortschritte bleibt der Kunstmarkt jedoch stark in den Händen einiger weniger konzentriert. Laut dem Art Basel & UBS Report werden 85 % der Auktionserlöse von den obersten 1 % der Künstler generiert, wobei vermögende Sammler weiterhin den High-End-Markt dominieren.[15]

 

Diese Konzentration von Reichtum wirft kritische Fragen nach Zugänglichkeit und Gerechtigkeit in der Kunstwelt auf. Während digitale Plattformen jüngeren und weniger wohlhabenden Sammlern Türen geöffnet haben, bleiben hochwertige Werke für die Mehrheit weitgehend unzugänglich. Die wachsende Wahrnehmung von Kunst als finanzielle Anlage und nicht als kulturelles oder kreatives Unterfangen hat diese Ungleichheiten nur noch verstärkt. Mit der Entwicklung des Kunstmarktes wird er durch das Zusammenspiel von Tradition und Innovation geprägt sein. Ob sich der Markt zu mehr Inklusivität bewegt oder seine Exklusivität verfestigt, hängt davon ab, wie Künstler, Sammler und Institutionen diese Kräfte bewältigen. Die Kunstwelt steht an einem Scheideweg, und ihre Entwicklung wird letztendlich die Werte und Prioritäten derjenigen widerspiegeln, die sie gestalten.[16]

Essay von Malihe Norouzi / Unabhängige Kunstwissenschaftlerin

 

      
    

Referenzen:

 

1. ArtRow. o. D. How Pricing and Valuation Work on the Art Market. [Zugriff am 15. Oktober 2023].

2. Ebd.

3. Artsy. o. D. What Determines the Price of an Artwork?  [Zugriff am 10. Oktober 2023].

4. MyArtBroker. o. D. Concise History of the Art Market.   [Zugriff Mitte Oktober 2023].

5. ArtRow. o. D. How Pricing and Valuation Work on the Art Market.  [Zugriff am 15. Oktober 2023].

6. Artsy. o. D. What Determines the Price of an Artwork?  [Zugriff am 10. Oktober 2023].

7. MyArtBroker. o. D. Concise History of the Art Market.  [Zugriff Mitte Oktober 2023].

8. MyArtBroker. o. D. Banksy Record Prices.  [Zugriff Anfang Oktober 2023].

9. ArtRow. o. D. How Pricing and Valuation Work on the Art Market.  [Zugriff am 15. Oktober 2023].

10. MyArtBroker. o. D. Concise History of the Art Market.  [Zugriff Mitte Oktober 2023].

11.  Warhol, Andy. 1975. The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again). New York: Harcourt, S. 87–95.

12.  MyArtBroker. o. D. Banksy Record Prices. [Zugriff Anfang Oktober 2023].

13.  Ebd.

14. Ebd.

15.  McAndrew, C. 2020. The Art Market 2020. Art Basel & UBS Report.   [Zugriff am 15. Oktober 2023].

16.  MyArtBroker. o. D. Banksy Record Prices. [Zugriff Anfang Oktober 2023].


 

Quellen der Bilder und des Titelbildes:

1. Die Auktionshäuser Christie’s und Sotheby’s sind verfügbar unter: https://www.thecollector.com/sothebys-and-christies-a-comparison-of-the-biggest-auction-houses/ (Zugriff: 18. März 2025).

2. Banksy (2002) Girl with Balloon [Graffiti]. Verfügbar unter: https://banksyexplained.com/issue/girl-with-balloon-graffiti-legend/ (Zugriff: 18. März 2025).

3.

Administrator
12.05.2025
Navigation auf dem sich entwickelnden Kunstmarkt
Navigation auf dem sich entwickelnden Kunstmarkt

 

Navigation auf dem sich entwickelnden Kunstmarkt: Von traditionellen Bewertungen zu digitalen Umwälzungen

 

Der Kunstmarkt ist seit langem eine einzigartige Schnittstelle von Kreativität, Kultur und Kommerz und hat sich von einem System der Schirmherrschaft zu einem globalisierten, spekulativen Ökosystem entwickelt. Historisch gesehen waren Künstler auf Mäzene angewiesen, und ihre Werke wurden für kulturelle oder religiöse Zwecke geschaffen, weit entfernt von der spekulativen   Investitionslandschaft, die einen Großteil des Kunstmarktes heute ausmacht. Im Laufe der Zeit hat sich die Kunst jedoch von einem rein kulturellen Artefakt zu einer Anlageklasse mit erheblichem finanziellem Wert entwickelt. Dieser Übergang von der Schirmherrschaft zum institutionalisierten Handel, der durch technologische Innovationen noch verstärkt wurde, hat einen komplexen und oft undurchsichtigen Markt geschaffen. Der komplizierte Bewertungsprozess des Kunstmarktes umfasst subjektive Faktoren wie künstlerischen Wert und Ruf. Er stützt sich auch auf objektive Elemente wie Auktionsergebnisse und wirtschaftliche Trends. Heute wird der Markt von einer Kombination aus historischem Erbe, wirtschaftlicher Dynamik und neuen digitalen Technologien angetrieben. Mit der Entwicklung des Marktes haben sich auch die Instrumente und Rahmenbedingungen für die Bewertung und den Kauf von Kunst verändert. In diesem Artikel untersuchen wir die Faktoren, die die Kunstbewertung beeinflussen, zeichnen die historische Transformation des Kunstmarktes nach und untersuchen, wie die Technologie die Zukunft der Kunstpreise gestaltet.[1]

                      

 

Christie's und Sotheby's Auktionshäuser

 


Die komplexe Dynamik der Kunstbewertung

Der Preis eines Kunstwerks wird durch eine Kombination aus greifbaren und nicht greifbaren Faktoren bestimmt, von denen viele sowohl in den subjektiven Vorlieben der Käufer als auch in der breiteren Wirtschaftslage verwurzelt sind. Die Kunstbewertung ist ein heikler Balanceakt zwischen dem Ruf eines Künstlers, der Seltenheit des Werks, seiner Provenienz und den breiteren Marktbedingungen. Diese Faktoren verbinden sich auf eine Weise, die die Preisgestaltung von Kunst sowohl als hoch spekulativ als auch als unsicher erscheinen lassen kann.2 Chloe Waddington, Partnerin der in London geborenen Galerie Timothy Taylor, erklärt: „Kein einzelner Faktor sollte isoliert oder als wichtiger als ein anderer betrachtet werden. Die Bewertung eines Kunstwerks ist eine Kombination aus vielen Faktoren: institutionelle Anerkennung, Marktnachfrage, Karrierestadium des Künstlers, Zustand, Echtheit, Medium ...“ (Artsy, o. D.) Diese ganzheitliche Herangehensweise an die Bewertung unterstreicht das komplizierte Zusammenspiel von Elementen, die zum Marktwert eines Kunstwerks beitragen.[3]

 

 

Künstlerischer Ruf und Karrierestadium

Einer der einflussreichsten Faktoren bei der Bestimmung des Preises eines Kunstwerks ist der Ruf des Künstlers. Das Karrierestadium eines Künstlers, die institutionelle Anerkennung, Ausstellungen und persönlichen Leistungen erhöhen alle den Marktwert eines Kunstwerks. Aufstrebende Künstler beginnen möglicherweise mit niedrigeren Preisen, aber wenn sie durch Einzelausstellungen, Biennale-Ausstellungen oder kritische Anerkennung an Bekanntheit gewinnen, werden ihre Werke wertvoller. Die Werke etablierter Künstler mit bedeutender historischer oder kultureller Relevanz erzielen oft Premiumpreise, insbesondere wenn sie in renommierten Institutionen ausgestellt oder über renommierte Auktionshäuser verkauft wurden.[4]

 

Auf dem Sekundärmarkt wird die Bewertung des Werks eines Künstlers durch Auktionsergebnisse beeinflusst, die als öffentliche Preisrichtwerte dienen. Auktionshäuser wie Sotheby's und Christie's verfolgen diese Preise und geben Käufern und Sammlern ein konkretes Verständnis des finanziellen Werts eines Kunstwerks. Für Sammler und Investoren ist das Verständnis dieser Marktrichtwerte von entscheidender Bedeutung. Auktionsprotokolle, insbesondere für "Blue-Chip"-Künstler, beeinflussen oft die Preisgestaltung von weniger bekannten Werken im gleichen Genre oder Stil.[5]

 

 

Die Rolle der Provenienz

Die Provenienz, d. h. die Geschichte des Besitzes eines Kunstwerks, ist ein weiteres entscheidendes Element bei der Bestimmung seines Wertes. Eine gut dokumentierte Provenienz kann die Echtheit des Werks bestätigen und sicherstellen, dass es sich nicht um eine Fälschung oder gestohlenes Eigentum handelt. Werke mit prestigeträchtiger Provenienz, wie z. B. solche, die zuvor berühmten Sammlern gehörten, in renommierten Ausstellungen gezeigt wurden oder in historischen Kontexten vorkommen, erzielen oft deutlich höhere Preise.[6]

 

Das Konzept der Provenienz ist besonders wichtig auf dem Sekundärmarkt, wo weiterverkaufte Werke oft mit einer verifizierten Geschichte versehen sind. Zum Beispiel hat ein Gemälde, das sich im Besitz einer Berühmtheit befand oder Teil einer bemerkenswerten Museumssammlung war, in der Regel einen höheren Preis. Sotheby's und andere Auktionshäuser betonen häufig die Bedeutung von "Fresh-to-Market"-Werken, d. h. Stücken, die noch nie öffentlich zum Verkauf angeboten wurden und daher keine Gebotshistorie aufweisen. Diese Werke können aufgrund ihrer Seltenheit und ihrer Provenienz, die die Begehrlichkeit erhöht, Bietergefechte auslösen.[7]

 

 

Angebot, Nachfrage und Marktdynamik

Wie bei jeder anderen Anlageklasse spielt das Gesetz von Angebot und Nachfrage eine entscheidende Rolle auf dem Kunstmarkt. Ein begrenztes Angebot, insbesondere bei Künstlern, die nur eine kleine Anzahl von Werken produzieren, kann den Preis eines bestimmten Stücks erheblich in die Höhe treiben. Banksy, ein weltweit anerkannter Straßenkünstler, ist beispielsweise dafür bekannt, limitierte Werke zu schaffen, die oft als Straßenkunst entstehen. Laut MyArtBroker haben Banksys Werke auf Auktionen rekordverdächtige Preise erzielt, was die hohe Nachfrage nach seinen knappen und kulturell bedeutenden Werken widerspiegelt. So wurde beispielsweise sein Gemälde Devolved Parliament 2019 bei Sotheby's für 9,9 Millionen Pfund verkauft und übertraf damit seine Schätzung vor dem Verkauf bei weitem. In ähnlicher Weise sorgte sein ikonisches Girl with Balloon für Schlagzeilen, als es sich unmittelbar nach dem Verkauf für 1,04 Millionen Pfund teilweise selbst zerstörte, was den einzigartigen Reiz und Wert seiner limitierten Werke weiter unterstreicht. Andererseits kann das Überangebot an Werken, insbesondere von weniger etablierten Künstlern oder überproduzierter Kunst in einem gesättigten Markt, die Preise drücken.[8]

 

 

Banksy, Girl with Balloon, Waterloo Bridge, South Bank, London, 2002

 

Auch das globale Wirtschaftsklima beeinflusst den Kunstmarkt. Kunst wird seit langem als Wertaufbewahrungsmittel angesehen, insbesondere in Zeiten wirtschaftlicher Unsicherheit. In einer Zeit der Finanzkrise oder Inflation kann Kunst, wie Gold oder Immobilien, als Absicherung gegen wirtschaftliche Instabilität dienen. So führte beispielsweise die Finanzkrise von 2008 zu einem kurzzeitigen Einbruch der Kunstpreise, doch der Markt erholte sich schnell wieder, da die Reichen Kunst als eine stabilere Investition als volatile Finanzmärkte ansahen.[9]

 

 

Historische Transformation des Kunstmarktes

Das Verständnis der Entwicklung des Kunstmarktes ist für das Verständnis seines gegenwärtigen Zustands unerlässlich. Historisch gesehen agierten Künstler innerhalb eines Systems der Schirmherrschaft und waren auf wohlhabende Einzelpersonen oder Institutionen angewiesen, um finanzielle Unterstützung zu erhalten. Von den großen Aufträgen der Renaissance-Künstler wie Michelangelo bis hin zur Porträtmalerei des 18. Jahrhunderts war die Beziehung zwischen Künstler und Mäzen von gegenseitigem Nutzen geprägt - Künstler schufen Werke von kultureller Bedeutung, und Mäzene sicherten sich Status und Prestige. Das 20. Jahrhundert erlebte jedoch die Transformation des Kunstmarktes in ein globalisiertes, spekulatives Ökosystem. Dieser Wandel wurde durch den Aufstieg von Auktionshäusern, Galerien und Kunsthändlern katalysiert, die begannen, den kommerziellen Wert von Kunst zu gestalten. Die Gründung großer Auktionshäuser wie Sotheby's (1744) und Christie's (1766) ermöglichte den öffentlichen Handel mit Kunst, was dem Markt Transparenz und ein neues Maß an Spekulation verlieh. Mitte des 20. Jahrhunderts wurde der Markt immer stärker institutionalisiert, da Kunst zunehmend als Anlageklasse behandelt wurde, wobei Käufer nicht nur ästhetischen Wert, sondern auch finanzielle Erträge suchten.[10]

 

Einer der bedeutendsten Momente in diesem Wandel ereignete sich in den 1960er Jahren mit dem Aufstieg der Pop Art. Der König der Pop Art, Andy Warhol, betrieb seine Kunstpraxis wie ein Unternehmen, schuf Werke, die von den populären kommerziellen Produkten seiner Zeit inspiriert waren, und produzierte Siebdrucke wie ein Unternehmen. Warhol nannte sein New Yorker Studio die "Factory" und beschäftigte hier Assistenten, die ihm halfen, immer mehr verkaufbare Kunst zu immer höheren Preisen zu produzieren. Er stellte traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage, indem er Massenproduktion mit bildender Kunst verband. Warhols berühmtes Zitat: "Gut im Geschäft zu sein, ist die faszinierendste Art von Kunst. Geld verdienen ist Kunst und    Arbeiten ist Kunst und ein gutes Geschäft ist die beste Kunst" (Warhol, 1975, S. 92) unterstrich die Kommerzialisierung der Kunst und ihr Potenzial als lukrative Investition. Diese neue Welle der Kunst, mit ihrer Verbindung zu Branding und Populärkultur, signalisierte den Beginn der Kunst als Ware.[11]

Die 1970er und 1980er Jahre beschleunigten diese Transformation weiter, mit dem Aufstieg der Kunst als Investitionsobjekt. Die Scull-Auktion im Jahr 1973, bei der die Taxi-Magnaten Robert und Ethel Scull eine Sammlung von Pop-Art-Werken für 2,2 Millionen Dollar verkauften, demonstrierte das enorme Potenzial des Marktes. In den 1980er Jahren entstanden Kunstsammler als Finanzinvestoren, wobei Einzelpersonen und Institutionen Kunst als eine tragfähige alternative Anlageklasse betrachteten.[12]

 

       

Die Sammler Ethel und Robert Scull mit Andy Warhol, George Segal und James Rehnquist, 1973

 


Die digitale Disruption des Kunstmarktes

Mit der Entwicklung des Kunstmarktes hat sich auch die Rolle der Technologie verändert. Heute verändern digitale Plattformen die Art und Weise, wie Kunst gekauft und verkauft wird, und ermöglichen so mehr Zugänglichkeit und Transparenz. Plattformen wie Artsy, Artnet und Paddle8 haben den Kunstmarkt demokratischer gemacht und es Sammlern ermöglicht, Werke aus aller Welt zu durchstöbern, ohne jemals eine Galerie betreten zu müssen. Online-Auktionen werden immer beliebter, wobei Häuser wie Christie's und Sotheby's eine Vorreiterrolle beim digitalen Verkauf von Werken einnehmen. Die Blockchain-Technologie hat auch neue Wege eingeführt, um die Provenienz zu sichern und Transparenz zu schaffen. Artory beispielsweise verwendet Blockchain, um die Besitzhistorie von Kunstwerken zu verfolgen und sicherzustellen, dass jede Transaktion überprüfbar und unveränderlich ist. Diese Technologie behebt eines der seit langem bestehenden Probleme auf dem Kunstmarkt: den Mangel an Transparenz. Durch die Verwendung von Blockchain können Käufer sicher sein, dass die Provenienz eines Stücks legitim ist und dass es nicht Gegenstand von Rechtsstreitigkeiten ist.[13]

 

Eine weitere große Disruption des Kunstmarktes war der Aufstieg von Non-Fungible Tokens (NFTs). Im Jahr 2021 wurde das Werk Everydays: The First 5000 Days des digitalen Künstlers Beeple für unglaubliche 69 Millionen Dollar bei Christie's verkauft, was das erste Mal war, dass ein großes Auktionshaus ein rein digitales Werk verkaufte. NFTs, die die Blockchain-Technologie nutzen, um das Eigentum an digitaler Kunst zu authentifizieren und zu verifizieren, haben eine völlig neue Art und Weise eingeführt, Kunst zu kaufen, zu verkaufen und zu sammeln. Der Aufstieg von NFTs hat jedoch eine Debatte über die Umweltauswirkungen der Blockchain-Technologie ausgelöst, wobei Kritiker darauf hinweisen, dass die Prägung von NFTs erhebliche Mengen an Energie verbraucht. Die wachsende Bedeutung digitaler Kunst und NFTs wirft Fragen nach der Zukunft traditioneller Kunstformen auf. Während NFTs und digitale Plattformen den Zugang zum Markt demokratisieren, schaffen sie auch neue Herausforderungen in Bezug auf Nachhaltigkeit, ethische Überlegungen und Marktvolatilität. Die Zukunft des Kunstmarktes wird wahrscheinlich eine Mischung aus traditionellen Institutionen und innovativen Technologien sein, wobei beide Sektoren nebeneinander existieren, um neue Möglichkeiten für Künstler, Sammler und Investoren zu schaffen.[14]

 

Die Zukunft des Kunstmarktes: Demokratisierung vs. Exklusivität

Eine der dringendsten Debatten auf dem Kunstmarkt ist heute die Spannung zwischen Demokratisierung und Exklusivität. Digitale Plattformen haben den Zugang unbestreitbar erweitert und es neuen Sammlern ermöglicht, sich mit Werken von aufstrebenden Künstlern und globalen Märkten auseinanderzusetzen. Social-Media-Plattformen wie Instagram haben die Sichtbarkeit von Künstlern erhöht, die sonst vielleicht im Dunkeln geblieben wären. Doch trotz dieser Fortschritte bleibt der Kunstmarkt stark in den Händen einiger weniger konzentriert. Laut dem Art Basel & UBS Report werden 85 % der Auktionserlöse von den obersten 1 % der Künstler generiert, wobei vermögende Sammler weiterhin den High-End-Markt dominieren.[15]

 

Diese Konzentration von Vermögen wirft kritische Fragen nach Zugänglichkeit und Gerechtigkeit in der Kunstwelt auf. Während digitale Plattformen jüngeren und weniger wohlhabenden Sammlern Türen geöffnet haben, bleiben hochwertige Werke für die Mehrheit weitgehend unzugänglich. Die wachsende Wahrnehmung von Kunst als finanziellem Vermögenswert und nicht als kulturellem oder kreativem Streben hat diese Ungleichheiten nur noch verstärkt. Mit der Weiterentwicklung des Kunstmarktes wird er vom Zusammenspiel von Tradition und Innovation geprägt sein. Ob sich der Markt in Richtung größerer Inklusivität bewegt oder seine Exklusivität festigt, hängt davon ab, wie Künstler, Sammler und Institutionen diese Kräfte steuern. Die Kunstwelt steht an einem Scheideweg, und ihre Entwicklung wird letztendlich die Werte und Prioritäten derjenigen widerspiegeln, die sie gestalten.[16]

 

 

      
    

Referenzen:

 

1. ArtRow. o. D. Wie Preisgestaltung und Bewertung auf dem Kunstmarkt funktionieren. [Zugriff am 15. Oktober 2023].

2. Ebd.

3. Artsy. o. D. Was bestimmt den Preis eines Kunstwerks?  [Zugriff am 10. Oktober 2023].

4. MyArtBroker. o. D. Kurze Geschichte des Kunstmarktes.   [Zugriff Mitte Oktober 2023].

5. ArtRow. o. D. Wie Preisgestaltung und Bewertung auf dem Kunstmarkt funktionieren.  [Zugriff am 15. Oktober 2023].

6. Artsy. o. D. Was bestimmt den Preis eines Kunstwerks?  [Zugriff am 10. Oktober 2023].

7. MyArtBroker. o. D. Kurze Geschichte des Kunstmarktes.  [Zugriff Mitte Oktober 2023].

8. MyArtBroker. o. D. Banksy Rekordpreise.  [Zugriff Anfang Oktober 2023].

9. ArtRow. o. D. Wie Preisgestaltung und Bewertung auf dem Kunstmarkt funktionieren.  [Zugriff am 15. Oktober 2023].

10. MyArtBroker. o. D. Kurze Geschichte des Kunstmarktes.  [Zugriff Mitte Oktober 2023].

11.  Warhol, Andy. 1975. Die Philosophie des Andy Warhol (von A nach B und zurück). New York: Harcourt, S. 87–95.

12.  MyArtBroker. o. D. Banksy Rekordpreise. [Zugriff Anfang Oktober 2023].

13.  Ebd.

14. Ebd.

15.  McAndrew, C. 2020. Der Kunstmarkt 2020. Art Basel & UBS Report.   [Zugriff am 15. Oktober 2023].

16.  MyArtBroker. o. D. Banksy Rekordpreise. [Zugriff Anfang Oktober 2023].

 

 

 

Administrator
11.05.2025