Judy Chicagos Das Abendmahl

Judy Chicago: Eine feministische Pionierin schreibt die Kunstgeschichte neu  

Judy Chicago, eine Pionierfigur der feministischen Kunstbewegung der 1970er Jahre, hat die Grenzen der Kunst neu gestaltet und gleichzeitig traditionelle Narrative von Geschlecht, Identität und historischer Repräsentation in Frage gestellt. Mit Werken, die den Ausschluss von Frauen aus Kunst und Geschichte kritisch untersuchten, versuchte Chicago, Frauen nicht als passive Subjekte, sondern als aktive Akteure zu positionieren, deren Beiträge eine Anerkennung auf Augenhöhe mit Männern verdienten. Ihre bahnbrechende Installation, The Dinner Party (1974-1979), (Abb. 1) ist vielleicht das bekannteste Beispiel für ihre Bemühungen, nicht nur die Leistungen von Frauen zu würdigen, sondern auch die geschlechtsspezifische Geschichte der Kunst selbst zu dekonstruieren.[1]

Abb. 1. Judy Chicago, The Dinner Party, 1974-1979, Installation.

Ein Denkmal für das ausgelöschte Erbe der Frauen

The Dinner Party ist eine monumentale Multimedia-Installation, die die bedeutenden Beiträge von Frauen im Laufe der Geschichte widerspiegelt und eine mutige Plattform bietet, um die Geschichten von Frauen in verschiedenen Kulturen und Epochen zu überdenken und neu zu erzählen. Mit diesem Werk konfrontiert Chicago die systemische Auslöschung von Frauen aus historischen Narrativen und bietet eine radikale Neuinterpretation der Rollen, die Frauen bei der Gestaltung von Geschichte, Kunst und Kultur gespielt haben. Das Werk ist eine direkte Antwort auf den Ausschluss von Frauen aus der von Männern dominierten Kunstwelt und bietet eine mutige Behauptung weiblicher Macht und Handlungsfähigkeit.[2]

Der dreieckige Tisch: Ein Symbol für Gleichheit und historischen Fortschritt

Die Installation besteht aus einem großen, dreieckigen Tisch, der Gleichheit und Harmonie symbolisiert, wobei jede Seite 48 Fuß lang ist. Jede der drei Seiten des Tisches repräsentiert eine bestimmte historische Periode. [3] Die erste erstreckt sich von der Vorgeschichte bis zum Aufkommen des Patriarchats; die zweite umfasst den Aufstieg des Christentums bis zur Reformation; und die dritte Seite konzentriert sich auf das 17. bis 20. Jahrhundert. Diese Einteilung verdeutlicht die Entwicklung der Rolle der Frau von einer Zeit relativer sozialer und politischer Macht bis zu ihrer schließlichen Unterdrückung in patriarchalischen Gesellschaften.[4]

Gedecke: Ehrung der Vergessenen und der Gefeierten

Der Tisch verfügt über 39 individuelle Gedecke, die jeweils einer historisch bedeutsamen Frau aus allen Epochen gewidmet sind. Zu diesen Frauen, sowohl gefeiert als auch vergessen, gehören Figuren aus Mythologie, Politik, Kunst und Literatur. Die Gedecke selbst sind sorgfältig gestaltet, um die Leistungen der einzelnen Frauen zu symbolisieren, wobei häufig Keramikteller mit Motiven weiblicher Genitalien oder Blumen versehen sind, was eine bewusste Anspielung auf die weibliche sexuelle Kraft darstellt. Diese Bildsprache, die auf jedem Teller prominent dargestellt wird, ist eine Herausforderung für die patriarchalischen Traditionen, die die Stimmen der Frauen in der Geschichte zum Schweigen gebracht oder marginalisiert haben.[5]

"Frauenarbeit" als hohe Kunst zurückgewinnen

Jedes Gedeck enthält auch ein Keramikobjekt, das die Form einer Vagina oder einer Blume hervorrufen soll, begleitet von einem vergoldeten Becher, Messer, Gabel und einer bestickten Tischdecke. Die Einbeziehung dieser Objekte unterstreicht Chicagos Engagement für die Rückforderung traditioneller "weiblicher" Handarbeiten wie Stickerei und Keramik, die historisch in den häuslichen Bereich verbannt und als minderwertige Kunstformen abgetan worden waren. Indem Chicago diese Handarbeiten in den Status der hohen Kunst erhob, stellte sie die traditionelle Trennung zwischen "schöner Kunst" und "Frauenarbeit" in Frage und rückte sie in den Mittelpunkt des künstlerischen Diskurses.[6]

Heilige Geometrie: Das Dreieck als feministisches Symbol

Das Design des Werks enthält auch eine tiefere symbolische Bedeutung. Der dreieckige Tisch zum Beispiel spielt auf das alte Symbol der weiblichen Sexualität und Macht an und verstärkt die Vorstellung, dass Frauen im Laufe der Geschichte das Potenzial für politischen und sozialen Einfluss hatten. Die 13 Gedecke auf jeder Seite des Tisches reichen von Göttinnen antiker Zivilisationen bis hin zu modernen Figuren und Künstlerinnen wie Frida Kahlo, Artemisia Gentileschi und schließlich Georgia O'Keeffe, die als einzige lebende Frau bei der Installation anwesend war. Es erinnert auch an die christliche Ikonographie des Letzten Abendmahls und zieht eine starke Parallele zwischen dem Akt der Frauen, ihren Platz am Tisch der Geschichte zurückzufordern, und der kulturellen Bedeutung dieser biblischen Szene.[7]

Vaginale Bildsprache: Eine provokative Herausforderung für die patriarchalische Kunst

Eines der provokantesten Elemente von The Dinner Party ist die Darstellung weiblicher Genitalien in den Keramikdesigns. Diese kühnen, dynamischen Bilder werden im Gegensatz zu der phallischen Bildsprache präsentiert, die einen Großteil der Kunstgeschichte dominiert, wodurch eine bewusste Subversion der konventionellen Darstellungen von Geschlecht entsteht. Chicagos Einbeziehung dieser Bilder war nicht nur eine Rückeroberung der weiblichen sexuellen Kraft, sondern auch eine Herausforderung für das historische Schweigen der Frauenkörper in der Kunst. Damit wollte sie einen Raum schaffen, in dem Frauen ihre Präsenz und Bedeutung ohne Angst vor Scham oder Unterdrückung geltend machen konnten.[8]

Kritische Reaktion: Warum The Dinner Party die Kunstwelt schockierte

Während Kritiker wie Hilton Kramer von der New York Times das Werk als "beleidigende Verleumdung der weiblichen Fantasie" abtaten, unterstreicht diese Gegenreaktion, inwieweit Chicagos Werk den Status quo in Frage stellte. Indem Chicago die weiblichen Genitalien in den Mittelpunkt des Werks stellte, konfrontierte sie den Kern der geschlechtsspezifischen künstlerischen Traditionen und begann eine breitere kulturelle Diskussion über die Darstellung von Frauen in der Kunst.[9] Wie Lucy Lippard bemerkt, entfernte sich Chicago bewusst von den Konventionen der Avantgarde und der symbolischen Bildsprache und lehnte die Idee der interpretativen Abstraktion zugunsten einer direkten Auseinandersetzung mit dem Thema Weiblichkeit ab.[10]

Kollektives Meisterwerk: Die feministische Zusammenarbeit hinter dem Werk

Neben ihrer thematischen und ästhetischen Kraft ist The Dinner Party auch bemerkenswert für ihren kollaborativen Charakter. Chicago arbeitete mit einem vielfältigen Team von über 400 Mitarbeitern, darunter Frauen und Männer, zusammen, um das Werk zum Leben zu erwecken. Diese kollektive Anstrengung steht in krassem Gegensatz zu dem heroischen Individualismus, der oft mit der Avantgardekunst verbunden wird, und spiegelt das feministische Ethos der gemeinsamen Erfahrung und der kollektiven Ermächtigung wider. Die Beiträge jedes Einzelnen wurden dokumentiert, um sicherzustellen, dass der kollaborative Prozess anerkannt und gefeiert wurde.[11]

Vermächtnis: Wie The Dinner Party die feministische Kunst neu definierte

Mit The Dinner Party hat Judy Chicago ein bleibendes Symbol feministischer Kunst geschaffen, das die patriarchalischen Strukturen der Kunstwelt in Frage stellt, die Grenzen der künstlerischen Praxis neu definiert und eine neue, integrative Erzählung für zukünftige Generationen bietet. Indem Chicago Frauen und Frauhandwerk ins Rampenlicht rückt und ihnen einen Platz am Tisch gibt, definiert sie ihre Handlungsfähigkeit neu und bietet eine kraftvolle Vision davon, was es bedeutet, Kunst zu schaffen, die sowohl persönlich als auch politisch ist.[12]

Essay von malihe Norouzi / Unabhängige Kunstwissenschaftlerin

Referenzen:

1. Chicago, Judy, Through the Flower: My Struggle as a Woman Artist. Dinner Party, 1975.

2. Lucie-Smith, Edward, Judy Chicago: An American Vision (Watson-Guptill, 2000). S. 59.

3. Barnet, Sylvan, A Short Guide to Writing about Art (Pearson: 2011) S. 231.

4. Lucie-Smith, Edward, Judy Chicago: An American Vision (Watson-Guptill, 2000). S. 62.

5. Mohtasham, Sam und Salemian, Elham 2021, “Judy Chicago: Creation and Activism”. Kaarnamaa; A Journal of Art History and Criticism, V 5, N.3. Herbst 2021.  

6. Ebd.

7. Ebd.

8. Jones, Amelia, Sexual Politics: Judy Chicago’s Dinner Party in the Feminist Art History (University of California Press: 1996), S. 26.

9. Kramer, Hilton, 1980, “Judy Chicago's 'Dinner Party' Comes to Brooklyn Museum; Art: Judy Chicago 'Dinner Party'”. NYT. (Mohtasham, Sam und Salemian, Elham 2021, “Judy Chicago: Creation and Activism”. Kaarnamaa; a Journal of Art History and Criticism, V 5, N 3, Herbst 2021).

10. Lippard, Lucy, 1980, "Judy Chicago's Dinner Party". Art in America, S. 118. (Mohtasham, Sam und Salemian, Elham, 2021, “Judy Chicago: Creation and Activism”. Kaarnamaa; A Journal of Art History and Criticism, V 5, N 3, Herbst 2021). 

11. Ebd.

12. Chicago, Judy, the Dinner Party: From Creation to Preservation. San Francisco: Prestel, 2007.

Bild- und Titelbildquelle:

Chicago, Judy. (1979) The Dinner Party [Mixed-Media-Installation]. Brooklyn Museum, New York. (Zugriff: 20. Februar 2025).